学音乐的基本入门

听课心得

　　一、教学目标

　　通过学唱歌曲，感受乐曲热烈欢快的情绪。

　　【过程与方法】

　　通过聆听范唱、跟唱、模唱，能够完整、准确地演唱歌曲。

　　【知识与技能】

　　通过对本首歌曲的学习，掌握四分音符、八分音符的节奏特点。

　　二、教学重难点

　　【教学重点】

　　让学生能够以准确的演唱歌曲旋律。

　　【教学难点】

　　准确地演唱歌曲四分音符节奏、八分音符节奏。

　　三、教学准备

　　多媒体、钢琴。

　　四、教学过程

　　（一）导入新课

　　1、歌曲导入

　　多媒体播放图片，让学生们看PPT上的图片说一说这些鸟的名称，有说到燕子、喜鹊，也有的同学认出了这是杜鹃，学生自由回答，教师总结，以此引出课题《爱唱歌的小杜鹃》以此吸引学生的注意力，激发学生的兴趣，让学生快速地将注意力集中到课堂中来。

　　（二）新课讲授

　　1、初步感知：

　　（1）让学生初听歌曲，并思考“这首歌曲的速度是怎样的”，学生听赏完毕，教师引导并总结——本首歌曲的速度为“中速稍快的”。

　　（2）再次为学生播放歌曲，心得体会让学生感受歌曲的旋律及节奏。

乐理基础知识完全教程

　　该专题是一套完整的基础乐理教程。全文系统讲解了乐理基础知识，五线谱入门教程。你也可以选择更符合你的章节直接观看，比如“第九讲和弦”。

　　本文亦可作为音乐爱好者的查询手册。

　　第一讲音的概念

　　第一节音的形成

　　首先让我们来认识一下这看不见又摸不到的“音”倒底是什么呢

　　“音”是一种物理现象。它是由于物体受到振动，而产生“波”，再由空气传到您的耳朵里，通过大脑反馈，您听到的就是“音”。

　　第二节音的分类

　　物体的大小、薄厚与振动的强弱不同，所产生音的高低也就不同，这样就形成了高音、低音、强音、弱音。

　　“音”大体又分为“乐音”与“噪音”两种。

　　1、乐音

　　振动起来是有规律的、单纯的，并有准确的高度（也叫音高）的音，我们称它为“乐音”。

　　2、噪音(noice)

　　没有一定高度的音。它的振动即无规律又杂乱无章的音，我们称它为“噪音”。

　　您明白了吗

　　第三节音的性质

　　音的性质可以分为：高与低、强与弱、长与短，还有音色等几种。

　　由于音的性质有这么多的不同，所以才会产生出不同的乐音来。使我们可以听到各式各样的旋律。也通过不一样的音色，让我们辨别出哪一种声音是由钢琴弹出来的，哪一种声音是小号吹出来的。二胡和小提琴同样都是弦乐器，可是它们的声音又各自有所不同。也可以区分人声，哪些是女高音，那些又是男低音等等这些不同的发声体，你会发现：

　　音的性质在音乐领域里的意义是有着至关重要的作用的。

　　第二讲乐谱的知识

　　乐谱的知识——什么是乐谱

　　第一节什么是乐谱

　　在人类历史的长河中，人们为了能使音乐保留下来，并且便于学习与交流，创造出各种各样的记谱方法。象我们唱歌，或者演奏某一种乐器，仅仅靠记忆，或者是口传心授都是不够的，必须要有乐谱。按照作曲家提供的乐谱，才能演奏和演唱出美妙动听的音乐。也由于有了乐谱，才使得很多的优秀作品流传下来。比如我国优秀的民间艺人华彦钧（瞎子阿炳），他从小爱好音乐，勤于学习，既能唱又能演奏，当时当地的乐器样样精通。群众非常喜欢听他的演奏和演唱。他能奏“十番鼓”，“十番锣鼓”，又掌握许多民间唱腔，还创作了大量的乐曲，如二胡曲《二泉映月》、《听松》、《寒春风曲》及琵琶独奏曲《大浪淘沙》、《龙船》、《昭君出塞》等和一些优秀的民间唱腔，他所创作演奏的作品，个个是精品，但由于生活所迫，流落街头，成了一个街头流浪艺人，受尽欺凌与压迫，受尽了折磨，刚刚解放就病故了，仅留下了有限的曲目，带着很多优秀的传统文化离开了人世，再没人记得这些。这不能不说是我国民族文化的失落，给我们留下更多的遗憾。

　　乐谱实在是保留曲目、交流文化的重要工具。

　　乐谱的分类

　　我国早在古代就发明了乐谱。记谱的方法也是多种多样的。

　　比如在敦煌莫高窟发现的公元九世纪我国唐五代世俗歌舞音乐的琵琶伴奏谱手抄本《敦煌曲谱》、《敦煌卷子谱》，曾经广为流传的《工尺谱》，古琴演奏用的《古琴谱》，锣鼓用的《锣鼓谱》等等，这些古老的乐谱有的还延用至今。现在我们的专业音乐工作者还在研究它们。此外还有现在仍广为应用的为广大音乐爱好者所熟悉的用阿拉伯数字来表示的《简谱》。以及国际上流行通用的《五线谱》等等。

　　五线谱的优点

　　《简谱》的优点：它比较简单，容易掌握。在单旋律的情况下运用还算方便。但是如果是多声部（几个音同时出现）或者是音域比较宽（高低音距离较远）以及转调频繁的时候，简谱就不那么方便易读了。

　　相反五线谱在这方面却有着很大的优势。首先五线谱在视觉上有明显的表示。比如那些复杂的和声（在一个位置上有几个音同时出现）（如谱例1）很容易识别。视觉非常清楚。其次在表示旋律方面尤其是高高低低的众多音的形态更是一目了然（如谱例2），就好象站在我们面前的一排排的人，哪个人高，哪个人低，而哪些人胖，哪些人瘦，都是很明显的，一眼望去很容易辨认。因此在国际上广为使用的基本上都是五线谱。

　　我们国家的专业音乐工作者，也都采用五线谱，连民族音乐领域也逐渐过渡到五线谱上来与国际接轨。在音乐的领域里不管你是哪国人，只要拿起同一张五线谱，大家唱出的都是同一个调子。可以说五线谱是无国界的，是音乐中的“世界语”。这就是五线谱的优点，要想进入音乐的世界里，我们必须首先学会五线谱，它是我们跨入音乐大门的桥梁。

　　以下为两种谱子的对比，上为五线谱下为简谱

　　第三讲学认五线谱

　　第一节谱表

　　现在我们首先来介绍一下谱表：

　　用来记写音符高低的表格，就叫做“谱表”。

　　五线谱，顾名思义是由五条线组成的。的确，是由五条平行的“横线”和四条平行的“间”组成的。这就是五线谱的谱表。它们的顺序是由下往上数的。

　　最下面第一条线叫做“第一线”，往上数第二条线叫“第二线”，再往上数是“第三线”、“第四线”，最上面一条线是“第五线”。

　　由于音符非常多，所以“线”与线之间的缝隙也绝对不能浪费的，也就是“线”与“线”之间的地方叫做“间”。这些间也是自下往上数的。同“线”一样。最下面的一间叫做“第一间”。往上数是第二间、第三间、第四间。下面请看谱例:

　　每一条线和每一个间都代表着一个音的高度。

　　然而这五条“线”和四个“间”还不够表达我们的情感心声，如果还有更高的音或者更低的音出现怎么办呢？于是就产生了更多的“线”和“间”。

　　这些临时多出来的“线”和“间”叫做“上加线”和“下加线”。上面多出来的线叫做“上加线”，上面多出来的“间”叫做“上加间”。下面多出来的“线”和“间”叫做“下加线”和“下加间”。这些“线”和“间”向上下两边呈放射形。“上加线”和“上加间”是自下而上，往上数的，分别叫做“上加一间”、“上加一线”、“上加二间”、“上加二线”、“上加三间”、“上加三线”…………以此类推。

　　在五条线下面加出的线是从上面向下数的（与上加线相反）。分别称作“下加第一间”、“下加第一线”、“下加第二间”、“下加第二线”……也是以此类推。（如下图）

　　这里面有一个需要注意的有两点：

　　1、“上加线”和“下加线”根据音符只需要画一条短线，不需要很长。够表示音符就可以了。（如下图）

　　2、在表示“上加间”和“下加间”的时候，不需要再把这个音符上面或下面的线画出来了。（如下图)

　　第二节谱号

　　在五线谱上确定音高的位置---也就是音名位置的符号叫做谱号。

　　谱号就象男女有别一样，在五线谱上看上去是相同的音，由于谱号的不同而代表着不同的音高，这些谱号分别有高音谱号，低音谱号，C谱号三种。

　　在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表，标有低音谱号的是低音谱表，同样，标有C谱号的就是C谱表，亦叫中音谱表，或叫次中音谱表（后面要详谈）。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器，象小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等，还有包括人声的男女高音声部，通常高音谱表用得较为普遍，除了特殊乐器声部以外，大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部，比如象大提琴，大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等等……

　　谱例1：高音谱号（G谱号）

　　谱例2：低音谱号（F谱号）

　　谱例3：C谱号

　　第四讲学画各种谱号

　　第一节：高音谱号（G谱号）

　　画这个谱号是从第二间开始的。从第二线开始向上紧靠着第三线顺时针往下画半个园，再紧贴着第一线画一个大于起口的圆形，然后，躲开这个圆形的开始的缺口，向上、向右、冲出第五线再向左，逆时针画一个小圆，回来，在第四线上定义。然后，从中间下来，穿过第三线、第二线，再穿过第一线，伸出尾巴来后，再左转，顺时针画半个小小的圆，结束时涂上一个小黑点点。这样，一个高音谱号就可以大功告成了。看起来复杂，实际画起来你会发现并不是很困难的。

　　谱例1：

　　第二节：低音谱号（F谱号）

　　低音谱号就要容易得多了，您画这个谱号时要记住；要从第四线上画起。先画一个小小的圆点，然后紧贴第五线，顺时针画半个圆，穿过第四线向左一撇，直到第二线止住。再在第三间和第四间里各点一个小小的圆点。

　　谱例2：

　　第三节C谱号

　　C谱号基本上是由上下两个英文字母“C”反过来，再加上两个竖线，（一根粗、一根细）组成。

　　这个谱号的特点是：两个反过来的字母“C”最中间对准哪条线，哪条线就是“C”音（DO）。也叫做那条线的谱号，比如对四线，就叫“第四线C谱号”（也有人叫它次中音谱号），对准第三线就叫“第三线C谱号”（也有人叫它“中音谱号”）。

　　如图：

　　由于“C谱号比较灵活，看起来好象复杂一点，那么让我用一句最简单的话告诉您：这个谱号上下均等，最中间的部分对准哪一条线，在这条线上标出的音就唱（DO）。以此上下类推。

　　（DO）我们会在音名一节中讲到。

　　注：在画谱号的时候，一定注意要画在每一行线谱的最左边。每一行都要画。不能遗漏。

　　第五讲音符

　　什么是音符呢？用一句简单的话来说那就是：在乐谱表上表示正在进行的音的长短（也叫“音值”）的符号，叫作“音符”。

　　第一节音名

　　我们每个人都有一个名字便于称呼。在乐音这个大家庭里，每一个音（也是音级），也都有它独立的名子。也就是“音名”。在认识音符之前我们要先知道它们的名字---音名（唱名）。

　　其中最主要的有7个基本音，分别由七个英文字母来表示，称为：

　　CDEFGAB

　　seidiyiaifujieibi

　　它们分别还有小名（唱名---视谱时所唱出的名叫“唱名”）

　　CDEFGAB

　　（汉语译音）斗瑞咪发搜拉希

　　（汉语拼音）DoRuaiMiFaSolLaXi

　　（简谱）1234567

　　在乐音的“家族”中有几十个高低不同的音，但是最基本只有这七个音，其它高、低音的音名都是在这个基础上变化出来的。

　　这七个音在钢琴上都是穿着雪白的衣服（白键子）。现在我们把这七个基本音的音名、唱名、译音、简谱记法全部在钢琴上做个对照。

　　第二节音名的分组

　　乐音的大家族里有几十个高低不同的音，但是它们并不混乱，而是井然有序的，人们都分别给他们排了队、分了组。这样我们就不难辨认他们了。它们分组的原则是以实际音高来区分的。

　　1、“中央C”是主角，为什么叫它中央C呢？因为它是钢琴上距离钥匙孔最近的一个音。中央C的唱名也叫（DO）。

　　从这个音一直到往右弹到B（Xi），这是一组。这一组叫做“小字一组”。再往右，也是从C（DO）开始再到B（Xi）这又是一组。这一组叫“小字二组”。总之是七个音一组，依次往右排，分别叫“小字三组”、“小字四组”、“小字五组”等。

　　从中央C（DO）左边的一组音（也是7个音）叫做“小字组”，然后，再往左，同样是7个音一组，依次叫做“大字组”、“大字一组”……。

　　这里有一点请注意：

　　在书写的时候“小字组”用英文小写字母并在它的右上角用阿拉伯数字标明它所属的组名比如：

　　“小字一组”的（Do）---d1

　　“小字三组”的（Sol）---g3

　　“大字组”用大写同样在它的右上角标明它所属的组数。比如：

　　“大字二组”的（La）---A2

　　“大字一组”的（Mi）---E1

　　“大字组”和“小字组”因为本身不带数，所以字母后面不用带数字。

　　下面请看看五线谱在钢琴的键盘上相应的位置：

　　谱例：

　　第三节认识音符

　　我们各自都长得不一样，音符们也各有不同。但是它们大部分基本上都是由三个部分组成的。即“符头”、“符干”、“符尾”。

　　谱例1：

　　前面我们已经知道这些音符的名字了，现在让我们看一看在五线谱中，这些音符各自的位置在哪里。

　　谱例2：

　　不同的音符代表不同的长度。音符有以下几种：全音符、二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符、三十二分音符、六十四分音符。

　　谱例3：

　　注释：以下所讲的“时值”就是“音长”。

　　（一）全音符《》

　　这个空心的白色音符叫“全音符”。它是音符家族的老大哥，其他音符的时值都比它短，而且要以它为准。依次分为两半。

　　（二）二分音符《》

　　这个长着身子（学名叫符干）的白色音符叫“二分音符”。它只有全音符的一半长，（它等于全音符1/2的时值）

　　谱例4：

　　（三）四分音符《》

　　这个黑脸的音符叫“四分音符”。它比二分音符又小一半。（它等于全音符1/4的时值）

　　谱例5：

　　（四）八分音符《》

　　这个黑脸的音符长出了尾巴，它叫“八分音符”它比四分音符还小一半。（它等于全音符1/8的时值）

　　谱例6：

　　（五）十六分音符《》

　　这个黑脸的音符长着两条尾巴，它叫“十六分音符”。它比八分音符还要小一半。（它等于全音符1/16的时值）

　　谱例7：

　　（六）三十二分音符《》

　　这个有着三个尾巴的音符叫“三十二分音符”。它比十六分音符又少一半。（它等于全音符1/32的时值）

　　谱例8：

　　（七）六十四分音符《》

　　长着四个尾巴的黑色音符名叫“六十四分音符”。它是“三十二分音符”的一半。（它等于全音符1/64的时值）

　　谱例9：

　　☆现在总的列出一张表，看一看音符这个大家庭直系的关系。

　　名称音符时值简谱计法全音符二分音符1/2四分音符1/4八分音符1/8十六分音符1/16三十二分音符1/32六十四分音符1/64

　　第四节音符的正确写法

声乐学习中的3个常见问题

　　1，音准问题的解决办法

　　音准问题首先要建立在对固定音高的训练和音程构建的训练上，要掌握用以标准音来找八度内的各个音的高度，反复练习直到脱口而出，音程构建上要反复练习上三下二，上四下三……各种音程，这个过程是声乐启蒙学习包括音乐启蒙学习必不可少的环节，如同学语文先学拼音，学英文先学习字母音标一样的重要。

　　在视唱的过程中一定要用自然放松的发生状态去唱每一个音，用比平时慢一倍的速度把曲子唱了一遍，再就会发现某个音不准时，而就此反复练习，并对照钢琴的高度进行校正，速度一慢就发现问题了。

　　2，吐字不清的解决办法

　　从语言朗诵开始慢练，四声归韵，先解决语言问题;在朗诵的过程中一定要归韵到位，声母与韵母之间不易停留过长，要快速的归到韵母上练声时的声音状态和朗诵比较音域拓宽了共鸣音量增强了，这时候更要注意刚才提到的几项夸张到位拉长每一个音，从口型等细节开始纠正，先打好基本功。

　　3，乐感不强的解决办法

　　现在的学生，戏曲、民歌积累的量远远不够，听流行歌曲听得多，语感不好，乐感不好，节奏不准。要解决这些基础的问题，只能通过慢练，别无他法。慢练——慢加速——常速。

　　声乐的基础训练如果急于求成，之后的演唱会非常困难。声乐的基本功比如呼吸、语言、共鸣、发声等技巧，都不是可以在短期之内快速解决的事情。

　　没耐心的学生更需慢练。有些学生自己唱一唱就会发现自己的耐心是极差的，简单的基础练习耐不住性子。这时候需要做的是叹息式气息准备，在中声区音色管道统一以后慢下来，把嗓子的疲劳状态歇好。然后才是往高音区一点点拓宽，有了这些基础，再去练习跳音，训练“嘴皮子”功夫和稳定的呼吸状态，保持着自然的半打哈欠的状态。

　　坚持慢练，在歌唱中找到大鹏展翅的身体的舒展感，而演唱正需要这种舒展感。

声乐初级阶段学习的练声方法

　　对着镜子唱歌

　　对着镜子唱歌，可以随时提醒你，注意口型、眼神和形体的表演。

　　对着镜子练习发声的要点是要做到眼睛睁得大又亮;嘴角上提，露出牙齿;两臂自然弯曲;不歪脖子;不耸肩;吸气时两肋打开;呼气时呼吸肌肉群对抗支撑。

　　像啃苹果一样张开嘴巴

　　像啃苹果一样张开嘴巴，营造张开嘴巴用上牙啃的感觉，面颊的肌肉要向俩耳朵方向展开，小舌头和软腭向上提，后咽壁也兴奋起来。

　　口咽喇叭和头腔共鸣形成一个共鸣管，声音才能像天鹅绒一样美

　　用打哈欠的感觉发声

　　发声时字腹(字音中标注音调的主要韵母)从上牙两大牙根啃出，声音的亮点在口、鼻咽腔、头腔共振。

　　向着远山唱

　　唱歌时的感觉，要放得开。向着远山唱，比较能放出适当的声音量。

　　要求声美，字正为本

　　韵母在歌唱中是体现音乐性的主要字母，在歌唱的咬字过程中，韵母担负着音高的变化和时值的转换任务。

　　韵母的发声技巧对于用美声唱法、民族唱法或通俗唱法唱好民族语言的歌曲都至关重要。

　　有的歌者因带有地方口音，没达到规范的咬字规则，造成了字不正音不响。

　　注意力放在后脖颈

　　把注意力放在后脖颈，这样可以产生美美的声音。

　　发声练习曲因人而异

　　不同的练习法能让你获得控制自己的呼吸系统的能力，达到灵活运用气息，驾驭声音的目的，但最重要的还是结合歌者需要解决的问题，制定灵活的练习曲，所以选择自己合适的发声练习曲目很重要。

怎样才能学好音乐

　　首先要有一定的音乐素质。音乐素质就是人在音乐方面应有敏锐的听觉、鲜明的节奏感和良好的音乐感觉，就是我们常说的音准、节奏、乐感。一个人的音乐素质有先天的因素，也有后天的培养，而后天的培养是特别重要的。在音准、节奏和乐感方面有敏锐感觉的人，就具备了学习音乐的前提条件。

　　其次，具有音乐素质的人要进一步学好音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识。学音乐的基础就是要练习耳朵,练习自己的听力,现在的试唱练耳是很重要的,没有试唱练耳你是学不好音乐的,所以我们必须要对试唱练耳重视起来, 在有了一定听力的基础上乐理也要学好,要知道基本的音乐理论常识,要知道古典音乐的由来,音乐感情,音乐思想,创作思维, 从而充分地发挥自己的感情和思想,把一手曲子弹到极点,技巧是可以慢慢练出来的,但是就算有技巧没有情感的曲子等于零,它表达不了人们的思想,所以我们必须先练好耳朵!

　　想要学好音乐，还要做到以下几条：第一，要有信心和恒心。有比较好的天赋学习起来会更容易些，但是，取得成功的前提，应该是兴趣，只要有信心学好，并能够持之以恒，一定会有可喜的收获！

少儿声乐学习有哪些准备和注意事项

　　1、孩子学唱歌要准备什么

　　在学习歌唱前，首先要对各部器官进行认真仔细的检查，声乐器官的健康是学习歌唱的根本条件，在这个问题上千万不要疏忽。如果有条件的话，应该到医院或请有声乐方面经验的大夫对声带的闭合、长度、弹性做出分析，这对于鉴定自己的声音性质有很大帮助。另外，还要检查一下各部器官的功能状况，像舌头的灵活性，吐字咬字的清晰流利度、肺活量大小等。如果发现有些器官功能欠佳，就应该加强一些特殊训练，增强功能。如果发现有鼻炎、咽炎等情况，应该及时治疗。只有在各部器官保证健康的前提下，才能保证学习声乐时的最好效果。

　　2、孩子学唱歌的注意事项

　　孩子是通过自己的声音来表达他们情感的。孩子的歌声是任何乐器发出的声音所无法代替的。孩子歌唱发展的阶段依次为：倾听、跟着成人哼唱、同成人一起唱、独立歌唱。一般而言，只要孩子从出生起就沐浴在有歌声的音乐环境中，那么他在三岁前能哼唱出他记得的歌曲片断，随着年龄和经验的增长，他将逐渐把这些片断串起来。大约到5岁时，他就能够独立、完整的唱一首歌。

　　严格意义的声乐学习是在孩子变声期后，大致在孩子初中的阶段，其中男孩的变声期比女孩明显。所以说，在幼儿阶段的声乐学习，重要的是让孩子有歌唱的兴趣、享受歌唱的快乐，同时养成一个良好的歌唱发声习惯，为将来声乐学习打下良好的基础。

　　孩子学唱歌特别要注意所学歌曲的音域，因为孩子的发声器官还处在成长发育阶段，是非常娇嫩脆弱的。一般说来，小班年龄段的孩子的音域可以从C到G或是A，即C调的1-6。孩子选唱的歌曲音域不易过宽，因为音域过宽，如果孩子还没有掌握好基础的发声方法，那很容易养成喊叫的习惯。大班阶段的孩子的音域一般为一个八度，家长可以看看教师给孩子的训练歌曲的难易程度。另外，家长自己了解一些声乐基础知识，将对孩子的歌唱学习大有帮助。

　　3、孩子几岁适合学唱歌

　　儿童时期是人生中最快乐、最幸福的时候，孩子们常用歌唱的方式来表达内心最直接、最真实的感受。成长发育期的孩子们，声带很稚嫩，如果在没有老师正确的指导下去唱歌，会导致声带受损，严重的还会影响到孩子们的身心健康。

　　幼儿期歌唱器官特征：四至六岁学习声乐的孩子，他们的喉头和声带是成人的一半或不到一半，胸腔很小，呼吸较浅，多用头腔共鸣，听起来声音响亮、甜美而透明，这么稚嫩的嗓音就如同一件精美的艺术品，此时如果家长急于求成、用声不当，就会直接影响到孩子们今后的歌唱生涯，最好能自然发展。幼儿园老师和家长，可以让孩子多欣赏音乐和学唱一些儿歌，让其对音乐产生兴趣，培养出一定的乐感，同时，也可用肢体语言表现音乐内容，来增强幼儿对音乐的感知力及表现力。

　　儿童期从七岁开始学习声乐最好，这个阶段的孩子，能独立学习声乐技巧，并能基本控制好歌唱器官，对声音有一定的辨别力，对歌曲也有一定的理解能力和表现力，这样在不断提高歌唱技能的同时，还可以培养儿童学习声乐的兴趣，有利于长时间地持续学习和发展声乐歌唱艺术。

教你学唱歌的基本要点

　　第一当然是声音

　　这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我们会把我们知道的尽可能的与大家交流。

　　第二是情感

　　这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。

　　第三是感受

　　这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人!歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

　　第四是节奏感和音准

　　你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗?你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗?你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗?这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

　　第五是素质

　　这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗?你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗?你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗?其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。